Le Corporeality évasif de la poétique sculpturale d'Edoardo Tresoldi

Il y a une qualité surnaturelle dans le travail d'Edoardo Tresoldi italien de sculpteur qui provient du fait que ce que vous voyez soit aussi important que ce que vous ne voyez pas. L'architecture de partie, illustration de partie, hallucination de partie, ses constructions éthérées immergent le visiteur dans un environnement idyllique qui exige d'être mentalement reconstruit plutôt que visuellement consommé.

Conçu comme interventions de l'espace et construit hors du grillage, les sculptures de Tresoldi sont conçues dans une langue hybride des archétypes classiques et des formes modernistes. Incarnant la convergence de la sculpture, du scenography et de l'architecture, ils dépassent le corporeality de ces métiers fermement matériels en incorporant un quatrième, dimension élégiaque portée sur l'absence. Leur transparent signifie également qu'ils sont dans le dialogue avec le paysage où ils se tiennent, son genius loci sans effort inséré dans le récit poétique qu'ils créent. En accordant autant une attention à ce qui est absente quant à ce qu'y a il, les créations surnaturelles de Tresoldi négocient une entente liquide entre les concepts violemment antagoniques de la réalité, la mémoire et l'imagination ; une lutte intemporelle dont le dénouement est finalement laissé jusqu'à la visionneuse.

Depuis 2013, le travail de Tresoldi s'est concentré sur les installations site-spécifiques dans les espaces publics et des contextes archéologiques, aussi bien que les commissions privées, les festivals d'art contemporain et de musique et les expositions de groupe. Les points culminants de son oeuvre à facettes multiples incluent Basilica di Siponto (2016), une installation permanente qui fusionne l'art contemporain et l'archéologie en reconstituant une basilique de Paleo-chrétien en Puglia, Italie, aura, une installation site-spécifique, en deux parties, flottante qui a succédé les halls de le Bon Marché, le magasin parisien prestigieux pendant l'automne de 2017, et Archetipo (2017), s'étendre, « place » d'intérieur en Abu Dhabi ont synthétisé des dômes, des voûtes, des colonnades, et d'autres fragments architecturaux de classicisme italien.

Son projet plus récent pour qu'illustration de festival de musique de Coachella la plus grande, d'Etherea, de Tresoldi jusqu'à présent et le plus grand soit décrit dans le festival, est une illustration publique éphémère comportant trois sculptures alignées inspirées par architecture néoclassique et baroque de forme identique mais diminuant la taille, qui invitent des visiteurs à recalibrer la réalité en tant qu'elles progrès par elle. Tresoldi a parlé à Yatzer au sujet de sa pratique artistique, de ses inspirations et de sa plus nouvelle installation pour le festival de musique de Coachella.

Bien que vous ayez un fond artistique, votre travail a une sensibilité architecturale forte. Comment est-ce que ceci est survenu et comment est-ce qu'il complète ou soutient votre vision artistique ?

Je pense qu'il y a deux raisons principales : mon fond comme scenographer et la fascination que les paysages et les endroits ont toujours exercé sur moi. La sensibilité architecturale avec laquelle mes sculptures sont conçues est liée à une narration empirique, et dans cette architecture de sens est une langue par laquelle pour célébrer le caractère sacré de la nature et de sa relation pour équiper.

Comment a fait le grillage est-il devenu un aspect si répandu de votre travail ? Quelles sont les difficultés techniques que vous avez dû surmonter ?

J'ai commencé à l'employer pendant mon travail comme scenographer. Son transparent me permet de tisser le côté peu important des choses, ce que j'ai appelé la matière absente, et pour jouer avec vu et l'invisible, afin d'établir une dimension idyllique qui permet à des téléspectateurs d'être dans des relations constantes avec les environs.

Le grillage a sa propre complexité technique unique : Paradoxalement, son transparent rend chaque détail technique tout à fait évident. Pendant la phase de conception, les formes sont contraintes par la structure et vice versa. Mais la force des illustrations se situe dans l'équilibre entre l'esthétique et la forme structurelle ; tout tourne autour de la juxtaposition entre ces deux éléments.

Votre travail tourne autour des interventions de l'espace. Que vous a incité à vous concentrer sur le travail site-spécifique ? Quel est le processus artistique par lequel le genius loci du chaque espace ou paysage est calibré et incorporé à la conception ?

Je dépense s'immerger beaucoup de temps dans le site de chaque installation. J'essaye de saisir son essence en établissant une langue contemporaine liée à un chemin émotif, une unité éphémère qui peut casser la vie quotidienne dépassant des dimensions du temps-espace.

Vous avez comparé l'installation de l'aura en tant que « reliques sur l'affichage » tandis que d'autres projets ont été décrits en tant que « architecture dans les ruines ». De quel est l'attrait de cette approche archéologique et d'où fait votre fascination avec le « creusement » le passé pour apparaître ?

Je suis italien ! Des ruines et les archétypes classiques sont fortement enracinés dans ma psyché. J'ai également habité à Rome pendant sept années où j'ai travaillé en tant que scénographe. Rome est une inspiration puissante et intemporelle pour chaque artiste. Après tout, son horizon serré a amené Walter Benjamin dire que « fait ne se rêvant pas pour prendre la haute route à Rome ? » Ma fascination avec des ruines est venue à la vie avec la basilique di Siponto qui a stimulé la ruine métaphysique, un concept que j'ai présenté pendant les affaires de la semaine de conception en Hong Kong en décembre dernier. C'est une ruine contemporaine qui réintroduit les formes de l'architecture originale par le transparent du grillage, et accompagne le visiteur par une nouvelle expérience émotive et spatiale, immergée dans le paysage contemporain.

Prenez-nous par votre processus artistique. Quel est l'aspect le plus provocant, la conception, la conception ou l'étape de construction ?

Chaque aspect du travail a ses propres règles qui doivent être suivies. Concernant les illustrations extérieures, la première étape est liée à l'étude et à la compréhension des caractéristiques du site. Alors la composition architecturale prennent en considération la dynamique physique de l'endroit et les éléments de paysage deviennent les composantes du projet.

Plusieurs de vos travaux sont les installations provisoires. Que pensez-vous de leur instabilité ? Est-ce que ce le stratagème final dans un effort de dépeindre l'absence est de matière ?

L'instabilité est une part essentielle de la valeur éphémère de mon travail. Mes interventions se fondent sur l'existence temporelle d'un endroit et peuvent avoir différentes durées de vie selon le type de l'illustration et de narration. Le « lieu », réalisé en collaboration avec le musicien italien IOSONOUNCANE pour DÉRIVENT le festival en Italie, est un exemple parfait de cela. C'a été une « représentation des endroits », d'une créature provisoire dans le paysage naturel majestueux de la baie de Sapri et d'un des éléments de définition de l'événement de la valeur performative. Une fois que le cycle de la vie des lieux était accompli, il a disparu, quittant l'endroit à son équilibre préexistant.

L'éclairage est un aspect important en présentant vos installations, sa nature intangible reflétant l'immatérialité de vos créations. Comment allez-vous élaborer environ la conception de allumage ? Combien différente est la vue de nuit de vos installations prévues pour être par rapport à leur aspect de jour ?

Au cours de la journée, la lumière du soleil, le vent, les nuages et la pluie permettent aux installations d'être éprouvées sous différents modes. Ainsi les sculptures deviennent les espaces dynamiques qui répondent à toutes sortes de facteurs externes, où les téléspectateurs peuvent éprouver l'interaction entre extérieur et intérieur et l'effacement des frontières.

La nuit cependant, l'illumination artificielle enrichit les surfaces et les volumes, accentuant les compositions et les déformations architecturales d'une manière plus éthérée et plus suspendue, les rendant les espaces majestueux, mais encore intimes et sensibles.

Vous avez fréquemment créé des installations pour des festivals de musique et avez collaboré avec des musiciens. De même à votre travail, une composition musicale incarne un récit intangible que des auditeurs sont invité à la chair dans leurs têtes. Cet esprit partagé soutient-il en partie de telles collaborations ? De quelles manières fait la musique et des musiciens inspirent votre travail ?

La musique et les arts visuels sont les deux partie d'une unité artistique simple, prenant l'inspiration entre eux et incarnant l'iridescent et le peu important dans différentes façons. Par mes travaux et collaborations j'essaye de brouiller les frontières entre les disciplines, expérimentant les possibilités interminables en cassant les barrières entre elles.

Dites-nous un peu au sujet de votre installation pour le festival de Coachella. Comment la commission est-elle survenue et qu'essayez-vous d'accomplir avec ce projet ?

J'ai été en contact avec Coachella pendant une année maintenant comme j'ai été censé pour participer à l'édition 2017, mais j'étais occupé aux EAU travaillant à Archetipo.

Etherea est ma plus grande illustration jusqu'à présent, un endroit où les visiteurs peuvent éprouver les relations avec les paysages illimités de la Californie, relaté par la langue de l'architecture classique. Sa de l'espace de changements grâce clairvoyante constamment aux dimensions progressives des trois sculptures, qu'amplifiez ou réduisez la distance entre les visionneuses et le ciel.

Il est comme quand vous revenez à un endroit après un long temps et vous vous rappeliez l'être plus grand ou plus petit que ce qui est vraiment il : la mémoire de l'architecture précédente obtient rajustée à celle dans laquelle vous entrez par un ordre des effets optiques.

Etherea est également le point culminant de mes collaborations avec des festivals de musique. Dans ce sens, on le signifie comme illustration publique éphémère énorme dans la grande ville provisoire de Coachella : la dimension idéale, pour moi, pour continuer la narration sculpturale de l'éphémère.